El Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, ciudad de nacimiento de los primeros rascacielos del siglo XX, acoge ahora una exposición sobre dicha tipología de edificios titulada Skyscrapers. No es una exposición que muestre planos y maquetas de arquitectura sino que se presentan proyectos artísticos que reinterpretan el rascacielos como un potente símbolo de nuestra sociedad por la necesidad hacer edificios cada vez más altos probando nuevas formas, sistemas constructivos y tecnología para conseguirlo.

La exposición muestra el trabajo en diversos formatos de artistas como Fikret Atay, Jennifer Bolande, Roger Brown, Jeff Carter, Roe Ethridge, Jonathan Horowitz, Bodys Isek Kingelez, Jakob Kolding, Vera Lutter, Abelardo Morell, Eliza Myrie, Ahmet Ögüt , Claes Oldenburg, Gabriel Orozco, Enoc Perez, Monika Sosnowska, Thomas Struth, Jan Tichy, Andy Warhol, Peter Wegner, H. C. Westermann, Wesley Willis, Catherine Yass, and Shizuka Yokomizo entre otros.

Esta exposición está comisariada por James W. Alsdorf Chief Curator Michael Darling y cocomisariada por Marjorie Susman y Joanna Szupinska.  Se podrá ver en Museo de Arte Contemporáneo de Chicago del día 30 de Junio al 23 de Septiembre.

( Por Inés Caballero)

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"Ring" es una instalación realizada por el diseñador Arnaud Lapierre en la Place Vendôme en Paris. Es una pieza que toma en consideración el espacio urbano, el ritmo, la organización espacial y la jerarquias de todo lo que le rodea.

La instalación reproduce un efecto visual que conecta dichas consideraciones a través del efecto generado por la repetición de un espejo que fractura la percepción del lugar. Esta dinámica instalación cambia las relaciones entre los peatones y el espacio que atraviesa.

"Ring" invita al visitante a jugar con la instalación en dos niveles: ese primer enfoque más relacionado con el descubrimiento espacial desde el exterior en el que el entorno se refleja fragmentado y otro enfoque más íntimo en el que la instalación se experimenta desde dentro para ver su propia imagen multiplicada hasta el infinito. Una sensación atemporal que te deja totalmente fuera del espacio exterior.

(Por Inés caballero)

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El artista Nicolás Combarro lleva realizando, desde hace más o menos 10 años, un proyecto de investigación vinculado con las arquitecturas de resistencia. Dicho proyecto resulta muy potente como trabajo de documentación de cartografía del paisaje de las periferias urbanas. Está volcado en la plataforma web, www.arquitecturayresistencia.com, para el intercambio de información y de proyectos, que no podéis dejar de visitar.

La serie ''Palomares'', inserta en la sección arquitecturas que resisten, muestra un imaginario, para mi muy familiar (por ser de tierra de campos) de unas ruinas que hablan por si solas. Estas, nos dejan pensando en características puramente arquitectónicas como el uso, los materiales y las formas en un intento de reconstrucción mental de las mismas. Resulta maravilloso que podamos guardar la memoria de estas arquitecturas de resistencia con proyectos como éste.

Partiendo de dicho proyecto de investigación, Nicolás Combarro, en colaboración con el artista mexicano  Goethe David Pontón, consiguieron el primer premio de la I Convocatoria del Plano al Cubo, formas y procesos en el espacio físico, con el proyecto Arquitecturas de Resistencia II. Como resultado de este premio, se presentó en verano de 2011, en el Espacio OCEMX la exposición “Arquitectura de resistencia”, comisariada por Eder Castillo.

(Por Inés Caballero)

Arquitectura y Resistencia

Espacio OCEMX

Primera convocatoria del Plano al Cubo

Palomares de Palencia

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Arduino Cantafora. La Cittá análoga 1973. Etude III

En el Centro Pompidou, Paris, hasta el día 20 de Septiembre de 2012, se podrá visitar la exposición La Tendenza. Architectures Italiennes 1965-1985.

''La Tendenza (en italiano, tendencia) fue un grupo arquitectónico italiano de estilo neorracionalista surgido en los años 1970, en paralelo al grupo estadounidense Five Architects. En oposición a la arquitectura pop y high-tech, el grupo Tendenza pretendía continuar con la tradición racionalista de la arquitectura italiana anterior a la Segunda Guerra Mundial. Ideológicamente se nutrieron de la teoría funcionalista de Aldo Rossi, expuesta en La arquitectura de la ciudad (1966), donde defendía el retorno a la tradición clasicista y el diseño arquitectónico basado en principios lógicos.''

Esta muestra reúne una selección de las obras más importantes de dicho movimiento procedentes de la colección de arquitectura del Centro Pompidou, junto con más de 250 dibujos, maquetas históricas, fotografías, pinturas, películas, y una gran variedad de material documental. Imprescindible si vas este verano a Paris.

Mas información: 

Centre Pompidou 

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L.A. Galerie Lothar Albrecht.Frankfurt 

Peter Bialobrzeski, Oliver Boberg, Julian Faulhaber, Gosbert Gottmann,Michael Neubürger, Joachim Schumacher, Susa Templi

http://lagallery-frankfurt.de/e.html

 

   

Joachim Schumacher: Essen City, ca. 1977, s/w photo, 40 x 50 cm

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Land Lord White (2008), es uno de los proyectos de la artista norteamericana Sarah Bostwick (Connecticut, 1979) que he elegido para definir y presentar su trabajo.

En la exposición que tuvo lugar en la Gregory Lind Gallery de  San Francisco, en 2008, Sarah presentó un conjunto de “altos-relieves” y composiciones sobre papel que reflexionan sobre la relación entre el tiempo, la sociedad y el espacio físico. Toma la arquitectura sus elementos, como arqueologías que describen un estricto código urbano.

En estas piezas, Land Lord White, Post no Bills blue y San Francisco Pink and green, el color es el protagonista y lo utiliza como código de lectura de las composiciones: ya sean el verde y rosa  como testimonios de los colores pasteles que dibujan el plano urbano de San Francisco, la fachada azul que identifica un edificio histórico de Manhattan o el blanco purificador al que retornan los apartamentos deshabitados. Un lenguaje de códigos inscritos en el subconsciente cultural de nuestro entorno.

Para saber más sobre su trabajo:

http://www.sarahbostwick.com/

http://www.messendeclercq.be/

http://www.gregorylindgallery.com/

Por: Luisa Fraile

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 El arquitecto-artista suizo, que vive y trabaja en Londres,  Nicolas Feldmeyer utiliza para la obra ''untitled (woven portico)'' un edificio existente como base para crear una nueva textura en la fachada, un espacio interior redefinido y una atmósfera renovada.

La forma de ejecución es muy sencilla, pero el resultado es impresionante. La intervención dialoga con la estructura del edificio adaptándose a su ritmo. El material utilizado, tan ligero, contrasta fuertemente con los pesados materiales de construcción del pórtico del edificio sobre el que trabaja: la ''University College of London''.

( Por Inés Caballero)

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El nuevo trabajo del artista coreano Do-Ho Suh ''fallen star'' acaba de ser presentado como la 18º escultura de la Stuart Colletion de la Universidad de San Diego. Esta colección se ha desarrollado para mejorar las actividades intelectuales y los intereses culturales de los alumnos.

En esta ocasión, Do-ho suh ha creado una instalación en la cubierta de un edificio, que continua con su esploración sobre el hogar y los desplazamientos culturales. Esta escultura permanente, instalada en el borde de la cubierta de un edificio de siete plantas del Campus, nos recuerda a la idea más inmediata de hogar pero en una actualización bastante agresiva del espacio en que se situá y que le rodea. Una sensación que transmite claramente y con la que muchos estudiantes pueden sentirse identificados.

La casa, girada un angulo de 10º, mide aproximadamente 3X5,5 metros y pesa casi 32 toneladas. Se accede a ella por la cubierta a través de un pequeño jardín decorado y una vez dentro se puede disfrutar de un espacio dotado con todos los elementos para convertirlo en el ''típico'' hogar, eso sí... fuera de lugar.

( Por Inés Caballero)

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Carlos Garaicoa, The Old and the New, 2010 

 

LA CIUDAD VISTA DESDE LA MESA DE CASA-CARLOS GARAICOA

Exhibición: Personal

31/05/2012 – 15/07/2012

KUNSTHAUS BASELLAND

St. Jakob-Strasse 170

Muttenz/Basel, Suiza

La exposición La Ciudad Vista desde la Mesa de Casa es en el Kunsthaus Baselland, estará abierta hasta el 15 de julio de 2012. Será parte de programa VIP de Art Basel 43,en Basilea

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Acabo de volver de China y de repente me encuentro con esta serie de fotografías de Ward Roberts que me hace reflexionar sobre los artistas que trabajan el tema de la representación.

Representación según el Diccionario de la Lengua Española es -Hacer presente algo con palabras o figuras que la imaginación retiene.-

Esta serie titulada ''Billions'' precisamente nos enseña con mucha intensidad una imagen muy real retenida de la gran ciudad oriental. Ward Roberts muestra al espectador ese caos mediante la representación de la complejidad de un entorno urbano. Documenta con mucha exactitud la superploblación que sufren ciudades como, en este caso, Hong Kong y captura la serie de capas que se superponen que está traducida de las capas reales que existen, que no son solo infinitas sino también complicadas y altamente estéticas.

Es interesante como Ward Roberts puede capturar la energia de una gran ciudad en continuo crecimiento solo con la presencia de la arquitectura. Como él dice '' He comprobado que tener gente en las imágenes no funciona a la hora de capturar la perfección de la arquitectura puesto que su comportamiento es impredecible'' 

Así se vive en las grandes metrópolis de China y lo que es tan difícil de explicar o de imaginarse con este proyecto se entiende de un solo vistazo.

(Por Inés Caballero)

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Ya hemos hablado de Tomas Saraceno antes en diaporama11. Su obra tiene que ver con estas estructuras utópicas que hablan y estudia la ciencia, la astronomía, la cosmologia, la energía, el urbanismo y por su puesto el arte y la arquitectura. En algunas ocasiones son simplemente instalaciones artisticas, puras esculturas y en otras la instalación se puede transitar. Por ejemplo, la serie ''Cloud Cities'' ofrecen su particular visión de una ciudad utópica. La obra que acaba de presentar en el MET forma parte de esta serie y está instalada en el cubierta.

Es una pieza formada por 16 unidades poligonales, con unas caras transparentes y otras con espejos, con la que el artista quiere provocarle a los visitantes la sensación de estar flotando en medio de varias realidades.

"Me gustaba la idea de estar conectado con el cielo y tratar de traerlo para abajo", dice Saraceno "Cuando uno camina en la estructura se siente inmerso en un paisaje que semeja una nube".

La obra, creada por encargo del Metropolitan, está formada por varias cavidades a las que se puede acceder a través de unas escaleras. Realizada en acero, acrílico y poliéster, mide casi 17 metros de largo por 9 de ancho y alto. La instalación realizada por medio de grúas se terminó de ensamblar in situ.

Con este proyecto el artista explora distintas maneras en las que se puede habitar y experimentar el medio ambiente por medio de plataformas que parecen flotar en el aire. Se genera un efecto Caleidoscopio cuando uno pasea por ella, ya que está rodeada por las vistas del Central Park y el contorno de la ciudad, componiendo múltiples realidades. Un vehículo a nuestra imaginación que nos puede transportar más allá de de la realidad, política, social, geográfica y mental.

Se podrá visitar en el MET de Nueva York del 15 de Mayo hasta el 4 de Noviembre.

(por Inés Caballero)

Más info: 

Tomas Saraceno

TomasSaraceno en Diaporama11

Tomas Saraceno en el Met

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Dough, Cheese, Squeeze


Mika Rottenberg  es una joven y destacada artista argentina afincada en Nueva York, que centra su desarrollo creativo en  la mujer,  su condición física, social, laboral, principalmente a través del vídeo.  Destaca en ellos el remarcado sentido narrativo, tanto en la estudiada escenografía como en los planos.  En Cheese (2008)el escenario traspasa la pantalla para incluir al espectador en el laberinto de habitaciones en el que sucede la historia. Plantea una cadena de arquitecturas imposibles, estructuras laberínticas, conectadas para la producción final de un  objeto. Y así también en otros vídeos como  Dough (2005) o Squeeze (2010), donde el espacio encierran a los personajes (mujeres), utilizando la arquitectura, para transmitir la sensación de subordinación, reclusión obligada(?).

Las imágenes que os mostramos pertenecen a la instalación en De Appel Institute (Amsterdam) en el 2011, de Cheese (2008).

http://www.nicoleklagsbrun.com/
www.deappel.nl

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